Edvard Munch

"Yo heredé dos de los más mortíferos enemigos de la Humanidad:

la tuberculosis y la locura". Enfermedad, locura y muerte fueron los ángeles negros que velaron mi cuna al nacer".  

                             

 (Munch, Diarios, febrero 1930, T 2759)

Me atraen las vidas de “artistas”, que sufren en su vida de una enfermedad, ya sea física o psíquica y que ésta les sirve de acicate, de búsqueda personal, de sentido de la vida. Aceptando su enfermedad, -toma de consciencia- de ella, no resignándose pasivamente, sino con valentía, con serenidad, amplian su mirada vital y su caminar existencial.

Y Edvard Munch es uno de ellos. 

Edvard Munch, nace el 12 de diciembre de 1863 en Loten, Noruega y muere en Ekely, cerca de Oslo, el 23 de 1944. Pintor y grabador expresionista. Edvard, es el 2º de cinco hijos, de los cuales, sólo quedará Edvard y Laura, que también con el tiempo desarrollará una demencia. El mismo decía que provenía de una conjunción de ancestros: “ de clérigos y navegantes”. Por parte de padre, clérigos y médicos; por parte de madre, navegantes y granjeros. El  padre de Edvard, fue médico.

Munch afirma que: su familia materna es la que porta la -tuberculosis-, y su familia paterna, la locura.

La muerte de la madre a los 33 años y más tarde de su hermana Sophie, de tuberculosis, conmocionaron profundamente al padre, sufriendo éste una crisis religiosa maníaca con accesos de violencia que causaron a Edvard efectos tan negativos como con la muerte de su madre. Edvard, en edad avanzada, recordaría: …  “la enfermedad, la locura y la muerte fueron los ángeles negros que montaron guardia en mi cuna y desde entonces me han seguido toda la vida. Aprendí en seguida…el castigo eterno que espera en el infierno a los hijos del pecado…Cuando mi padre nos castigaba, en su violencia podía casi alcanzar la locura”.

Pero en este cuadro familiar, apareció la tia Karen, hermana de la madre de Edvard. Ella dio vida, luz a esa familia, y ella fue la que animó y estimuló a Edvard y a sus hermanos, a dibujar, a pintar, a leer. Estos años infantiles no fueron tan negros. Una segunda madre amorosa y cuidadosa estuvo allí. A pesar de que Edvard tenía una salud muy frágil, padeció de bronquitis asmática crónica y ataques de fiebres reumáticas y por ello no podía ir a la escuela, Karen, le entretuvo con la lectura y los inicios del dibujo.

Y sin embargo, toda esta estructura familiar no lo haría sucumbir, replegándose en una silla a esperar que pasara la vida, sinó que él la tomó y se embarcó con ella.

Evidentemente, factores hereditarios y sociales, marcaron su personalidad. Desde criterios médicos, se dice que padecía de una psicosis.

Pero su CONSCIENCIA de ésta, le dan una perspectiva diferente, un sentido a su PINTURA, a su expresión pictórica y también literaria.  Munch utiliza la pintura, para expresar sus angustias, sus miedos y obsesiones, le da un sentido terapeutico (sanador) y al mismo tiempo es su modus vivendis, su sentido para vivir; apoyándose de la escritura también, como expresión de su recorrido vital.

Mientras que Vincent Van Gogh, es inconsciente de su “trastorno mental” y éste le domina y es dominado por ésta, Edvard Munch domina, (si puede decirse así), su enfermedad y le da un carácter CREATIVO y SANADOR….puede “exorcizar” los demonios de su psique.

Del libro: "El Alma pintada", Edvard Munch, en su -"Diario de un poeta loco"-:

"Mi arte es una autoconfesión. A través de él, busco aclarar mi relación con el mundo. Esto podría llamarse egoísmo. Sin embargo, siempre he pensado y sentido que mi arte podría ayudar a otros a clarificar la propia búsqueda de la verdad, (...)

Del mismo modo que Leonardo estudiaba los rincones del cuerpo humano diseccionando cadáveres, trato yo con mi auto escrutinio diseccionador lo que hay de universal en mi alma."

Munch en un principio estudió ingeniería. Pero él quería ingresar en la escuela de Pintura. Su padre se mostró reacio, pero al final, ingresó en la Escuela Estatal de Artes y Oficios en Cristianía, (Noruega, más tarde), de 1881 a 1883.

En 1885 visita por 1ª vez París, descubre la obra de los impresionistas y postimpresionistas.

1º ETAPA:

1884: De mañana: oleo sobre lienzo (96,5 x 103,5 cm):

                                                              

                                                      

Munch vuelve a Noruega, ya ha integrado la pintura impresionista y post-impresionista, y sus pinceles empiezan a expresar lo que lleva en su corazón:

1886: La niña enferma:
                                                         

                                                                    

Esta pintura representa a su hermana Sophie, fallecida de tuberculosis a los 15 años, y cuyo proceso hacia la muerte mantiene a Edvard profundamente obsesionado, dice: - "pinté 3 versiones, y cada una diferentes, pero cada una converge en alguna de mis primeras impresiones-"

No sólo la técnica es tratada de modo diferente; es el propio tema el que cambia. Ahora no pinta lo que ve, sino -como él mismo dice, -lo que vió- (Diarios, 1890 N57), es decir, recuerdos, emociones latentes, miedos y angustias reprimidas. La parte siniestra de la vida.

Este cuadro, no fue muy bien acogido por la crítica.

La gente de esa época no estaba acostumbrada a este tipo de pinturas. Era de corte costumbrista. La pintura que se hacía era realista, reflejo del entorno en que vivían.

1889: La Primavera: óleo sobre tela

Particularmente, en este cuadro, me gusta la luz que entra por la ventana. A pesar de la melancolía que se respira, y la enfermedad, que bellamente plasma, hay para mí, una luz que es sinónimo de libertad, de esperanza, (abre una puerta, libera).

Para Munch, (la Niña enferma y la Primavera) son dos pinturas que marcan un cierre de una etapa impresionista y realista.

Influencia impresionista, pero también, colores que plasman su alma, sus emociones, ya sean de alegría o angustia:

 1889: Banda Militar en la calle Karl Johan, (óleo sobre lienzo)
              

1892: Tarde en la calle Karl Johan, (óleo sobre lienzo)
                                              

1893: La muerte en la habitación de la enferma, Témpera y crayon sobre tela

                                

                                              Retrato de su experiencia familiar.


                                  
1888: Atardecer:
                                     

Su hermana, Laura, mostrando los primeros síntomas de su progresiva demencia, inmersa en sus pensamientos, con la mirada perdida en el infinito. La manera impresionista es evidente, no solo en la manera de poner el color sino también esa unidad emocional de figura y fondo, naturaleza y humanidad formando un todo.

Munch en Noruega, formará parte del ambiente artístico, el llamado, Grupo de Bohemios, en esta etapa, se adentra en el misterio de la mujer. Tanto a nivel personal como a nivel pictórico.
Tiene claro que no quiere "comprometerse", -casarse y formar família e hijos- no quiere que hereden "la problemática: psíquica y enfermiza", por la que él ha pasado y pasa. Por ello, vemos en su biografía un peregrinaje de relaciones con las mujeres. 

Unas de muy turbulentas, sobretodo antes de la crisis que lo llevará al sanatorio, (vivencias de celos, relaciones de tres, relaciones violentas entre la vida y la muerte, acompañado de épocas de abuso en el alcohol); favorece la época en la que vive, marcada por una burguesía acomodada, muy conservadora en todos los ámbitos. Inicia sus relaciones con mujeres de la vida, mujeres que Munch podría pintar desnudas con total libertad o amigas, compañeras de otros artistas y bohemios, en Kristiania, Oslo, como se llamaba entonces. Estamos hablando de la década de los 80. 
Ibsen y Strindberg, grandes gigantes en la literatura, hacen tambalear las ideas de los conservadores. La población juvenil los lee y los sigue, combatiendo estas ideas conservadoras, a través de la oposición a los lazos matrimoniales, ruptura de los tabúes sexuales, atacando los rígidos valores religiosos.

Munch, forma parte del Círculo de los Bohemios de Kristiania, que en 1882, comienza a reunirse en los cafés, discutiendo una nueva vida. Se insiste, que el artista debe basar su obra de arte en la propia vida, experiencia, sentimientos y emociones. Ansían la liberación del individuo.


Munch conoce también los movimientos artísticos del simbolismo y el expresionismo. Del expresionismo, plasma la angustia existencial, ese sentimiento trágico, que por otra parte, conoce de primera mano, por su propia biografía. Pictóricamente, -la línea sinuosa-, derivada del modernismo, simboliza  las ondas de los sentimientos e impulsos más oscuros del alma humana.
Del simbolismo, el significado que da a los colores, por un lado (al rojo, al blanco, negro) y por otro lado el simbolismo, de la imagen interiorizada (en su psique),  "esa anima", (desde el punto de vista junguiano), provocadora de celos, sensualidad,  muerte, vida,  amor... , temas recurrentes en sus cuadros. Otro de los símbolos en la mujer, es su pelo. La melena, como símbolo del vínculo, de la absorción de la mujer hacia el hombre.

1892-93: Melancolía (Jappe en la playa), óleo sobre lienzo

                                                  

Su amigo  (Jappe), está triste, por los celos que su pareja parece provocarle.




1893: El Grito,  temple y pastel, (91x73'5 cm)

La obra más conocida de Munch, (y que ya he tratado en otra entrada de mi blog). Plasmó una vivencia muy personal de la angustia,(las líneas sinuosas; la figura cadavérica, su expresión de horror, miedo, soledad...), producen una empatía universal.

Este cuadro pertenece a la serie de Cuadros que Munch pintaba, llamada 
-el Friso de la Vida-.   Éste se inspiró en una experiencia real, Munch, escribió en su diario:  " Iba por la calle con dos amigos, y sentí una punzada de melancolía. El sol se estaba poniendo... De improvisto el cielo se volvió rojo de sangre. Me detuve y me acerqué a la barandilla... Me sentí agotado y miré las llameantes nubes que se cernían como sangre y como una espada sobre el fiordo azúl oscuro de la ciudad... He oído un grito poderoso e interminable que venía de toda la naturaleza ".

Técnicamente, Munch lo hizo al temple, pero para poder realizar las líneas onduladas, utilizó pastel, y fue ello, lo que le permitió fusionar los colores a las líneas onduladas con suavidad.

1894: Rojo y Blanco:

                                          

Este cuadro se expuso en la Secesión de Berlin de 1902, junto con el friso de la vida, y otras obras dedicadas al tema de la vida, el amor y la muerte, y pertenecía al grupo de lienzos correspondientes al "Nacimiento del amor"; el color tiene valor simbólico, (el rojo, simbolizaba la sensualidad) y la línea sinuosa y contínua se convirtieron en signos expresivos de una condición de inquietud existencial.


1893-94:  Vampyr, óleo sobre lienzo, (91x109 cm).

Tema que repite en múltiples versiones y técnicas, el pelo rojo-sangre de la mujer -Dagny- (una mujer con la quien tuvo una relación), se desparrama como tentáculos de pulpo sobre el hombre al que está besando/mordiendo en el cuello, absorbiendo su vitalidad... (imago): imagen interior, que tiene de la mujer.
(En un principio se titulaba: Amor y Dolor; pero algún crítico la cambió, y a él no le importó). Le importaba poco las fechas o los títulos. Pero la asociación de sexo y muerte, domina la visión erótica de Munch, como dirá en su -Diario de un poeta loco-.
Munch está convencido de que no hay alegría sin dolor, que son dos caras de una misma moneda, y lo repite en textos e imágenes.


1894: Mujer en tres estados, óleo sobre lienzo

                                                  

La mujer virginal y adolescente, que mira al mar, la mujer del centro, la más seductora y provocadora, y que mira retadoramente. A la derecha, la mujer vestida de oscuro y sumida, está cercana a la muerte. Munch escribe: "la mujer en sus múltiples aspectos es un misterio para el hombre: a la vez es una santa, una puta y una infeliz abandonada".

En las pinturas munchiana la posición del hombre frente a la mujer es pasivo o debil, mientras que el de la mujer es el fuerte. Ella tiene un poder que teme y desea. El vínculo entre el sexo y la muerte, eros y thanatos, es un leit-motiv en su obra. El artista proyecta sobre las mujeres los sentimientos de culpa, rabia y miedo que pueblan en su interior, así como sus deseos reprimidos y demonios familiares.

           

1895: Madonna, (dibujo ejecutado en la piedra -añadidas las planchas de color en 1902):

                               

                                  

1898: Fecundidad: Titulada inicialmente El Otoño. La vena lírica que lo invade parece evocar el sentimiento de comunión con la naturaleza típico de las obras de Millet.

                                                     

                                                    

Munch en 1894 empieza a investigar en el grabado. Fue uno de los grandes grabadores modernos. Utilizó el aguafuerte, la litografía y la xilografía, aunque también recurrió a técnicas como la punta seca y la media tinta. Tenía una gran habilidad.  Uno de los temas en que trabajará en diversas variaciones, es "el beso". Tema también pintado por otros artistas: Klimt (El beso, 1907-8), Picasso (El abrazo, 1903), Steinlen, El beso (1895).

1894: xilografía de August Strindberg:

                                                        

1895: El beso, (la 1ª version es un aguafuerte, aguatinta y punta seca):

                                                

1900-1910, Viaja con frecuencia por toda Europa, desde Berlín: diversas ciudades alemanas, Praga y París. Sus cuadros amplían los temas También es una década perturbadora para Edvard Munch. Hasta entonces, había tenido relaciones con mujeres principalmente con prostitutas o mujeres de vida ligera. Milly, su primer amor, era la esposa de Fritz Thaulow, una pareja juvenil, que jugaba con sus sentimientos. Después vino Dagny, mujer de relaciones promiscuas, compañera de estudios, pero pronto acabó la relación. Pero en 1898, conoce a Tulla, una mujer liberal, independiente, de la que se enamora. Ella quiere casarse con él, pero éste no accederá. Será una relación también mortificante. El tema de El Beso, o Celos serán una muestra de su hervidero emocional interno.

1905: Celos, cuadro que formaba también parte de el Friso de la vida. El artista consideraba que los celos estaban indisolublemente unidos al amor.

                                            

1900: La danza de la vida

La pareja central muestra la inmensa energía que surge del encuentro entre hombre y mujer. Pero al final, nos fijamos en la vieja y amargada mujer, símbolo de la fugacidad de los sentimientos y de la inevitable separación. En su diario dice Munch sobre esta pintura:

"Bailo con mi verdadero amor, su recuerdo. Una rubia mujer sonriente, quiere cortar la flor del amor, pero no se le permitirá hacerlo. Y en el otro lado, la vemos vestida de negro atormentada por la pareja que baila, del mismo modo que yo fui rechazado por su baile".

1900: El humo del tren:

Es como un poema sinfónico, donde las diferentes frases son como los planos demarcados por una línea suave.

Existe una verdadera dificultad para poner fecha a las obras de Munch, ya que por la insistencia manifiesta en conservarlas mucho tiempo, el artista no las da por acabadas y les va introduciendo "variaciones".  A veces si vende una pintura, se siente abandonado e immediatamente pinta una copia o una variante para conservarla. Por ejemplo, entre 1903 y 1905 pinta 12 variaciones de las -Muchachas en el puente-:

                       

Algunos expertos creen que la audacia de sus colores influyó en los fauves franceses, como Dufy y Matisse.


Tras su muerte se descubrieron cientos de pinturas, que nadie había visto nunca, guardadas en habitaciones cerradas.


1903: Bosque

Desde la ruptura con Tulla, su estado mental y emocional se encuentra en precario equilibrio, puesto que además, ha elevado la ingesta de alcohol y aumenta también los contínuos desplazamientos de exposiciones y encargos que le impiden el descanso que necesita.
Ha desarrollado una neurosis obsesiva con respecto a su país, Noruega y está convencido de que debe evitar aparecer por allí, salvo cortas visitas a Asgàrdstrand, (donde tiene la casa y pinta). 

1908. La ruptura del equilibrio mental: el sanatorio en Copenhague. Obras de reclusión

En septiembre de 1908 la estancia junto al mar queda interrumpida de golpe: su estado bordea y a veces traspasa la frontera de la psicosis persecutoria, se siente espiado y perseguido constantemente. Un amigo, E.Goldstein, le sugiere viajar a Copenhague donde le presenta en la clínica del Dr. Jacobson. Munch decide ponerse en sus manos y recibir tratamiento allí.

Retrato de :Nietzsche

En 1909 cuando salió del sanatorio, vuelve a Noruega, era un hombre distinto; era consciente de que los sufrimientos habían contribuido a dar a su arte fuerza y originalidad, pero deseaba desesperadamente gozar de buena salud y decidió dar la espalda a las imagenes obsesivas y torturadas que lo habían hecho famoso.  Intentó tener una mirada y un espíritu más positivo hacia el mundo exterior.  Durante 7 años Munch trabajará en el proyecto de la decoración del Aula Magna de la Universidad de Oslo, para su inauguración. Sin saber si saldrá elegido o no. Presenta bocetos y dibujos en 1910 y no lo eligen. Lo vuelve a intentar y  consigue entrar en un listado en 1911 . Durante 5 años más trabajará en este proyecto, hasta que en 1914 la Universidad lo acepta.

Para mí, este cuadro, es un reflejo de su Sol interno. De su "proceso de individuación", como diría Jung. Después de una noche oscura, donde se produce una purificación, (el paso por el sanatorio por su psicosis obsesiva), integra sus aspectos más ocultos de su psique. Ha habido una "muerte interna", y de su resurrección, ha surgido una explosión de luz, un sol, un nuevo Munch,  que transmite  luz y  colores (rojo, azul, rosa y oro)  al mar, la tierra, a los humanos que salen de ella, vivificándola.

1911-1916:  El Sol, (uno de los murales), óleo sobre lienzo, (455 x 780 cm)


                                                       

El Sol, la Historia y el Alma Mater, son los temas, Murales que pintará en el Aula Magna de la Universidad de Oslo, temas clásicos, pero que le da una nueva fuerza. Simbólicamente, Munch también es este Sol, que se aleja de ese mundo "de sufrimiento", para dar paso a una etapa más relajada, sosegada a nivel personal, y contínuamente fructífera a nivel pictórico,, pues mientras estuvo en el sanatorio continuó pintando hasta sus últimos días.

1909-1911: Un detalle de la Historia, (otro de los murales)

                                             

En 1916, compra la casa de Ekely en Skoyen, zona del extrarradio oeste de Oslo. Será la última residencia, donde vivirá y trabajará hasta sus últimos días.

1915: Pleno verano II, óleo sobre lienzo:

                                        

Cuando Noruega es ocupada por los nazis, Munch tiene 77 años. Sigue pintando.

1940-42: Autorretrato entre el reloj y la cama, probablemente el último cuadro que pinta.

En enero de 1944 el artista muere de neumonía en Ekely. Esa tarde estaba leyendo "Los Demonios", de Dostoievsky. Acaba de terminar un retrato litográfico de Hans Jaeger. Había cumplido 80 años el mes anterior. 

                                                            
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He realizado este trabajo de Munch principalmente por su "particular biografía", biografía por otra parte -universal-,y muy humana. Pocos cuadros de él me gustan o me siento identificada, pero los pocos son bellos. Y cuando hablo de belleza, hablo de polaridad, es decir, hablo de sentimientos agradables y desagradables.

La obra de Edvard Munch, la conocí por su cuadro "El Grito", que siempre me impresionó, me sigue impresionando y gustando. El Grito, surge de su "experiencia personal temporal", (el horror, el miedo, el sufrimiento), sin embargo, podría ser la de cualquier persona, por eso alcanza un ámbito universal, una empatía, como mencioné más arriba, universal. Habla de unas emociones universales. 

Mi más sincero agradecimiento, a esta "alma pintada", por su biografía y su arte.

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BIBLIOGRAFIA:

- Munch, Grandes Maestros de la Pintura, edt. Altaya, 2001

- Edvard Munch, el alma pintada.

De Fuensanta Niñirola, ed. Artica, 2012. Madrid. Excelente libro. Sobretodo trata el tema psicológico extensamente y documentado, así como los movimientos artísticos y técnicas que conoció.   /  Ambos libros están en Bibliotecas Públicas.

                                                                                                       

http://indeprofundis.blogspot.com.es/search?q=el+grito

(2 de noviembre de 2013)