Franz Marc

                       El pintor de los animales....
 

“Ya muy temprano, el ser humano me pareció–feo-;

El animal me parecía más bello, más puro”.    

                           Caballo en el paisaje, 1910

En 1880, nace Franz Moriz Wilhelm Marc, el 8 de febrero en Munich, morirá en 1916, en la 1ª G.M. como soldado voluntario.
Es el segundo hijo del pintor Wilhelm Marc y su esposa Sophie.

En casa recibe una educación religiosa de carácter protestante, y esa impronta hace que en su adolescencia tenga dudas de qué camino tomar, si el de la Teología o la Filología, pero se matricula como estudiante en la Facultad de Filosofía en la universidad de Munich; sin embargo, a partir del servicio militar en 1900, da un giro, y ve claramente que quiere ser pintor.
Se matricula en la Academia de Munich, recibiendo influencia de la pintura muniquesa del siglo XIX.


Viaja a Italia, Francia, donde conocerá a su primera esposa, así como también las obras de los impresionistas franceses.

En 1905, conoce al pintor francés Jean Bloé Niestlé, pintor “de animales”, éste animó a Marc a poner artísticamente en práctica su simpatía por los animales. A Niestlé, le interesaba más que la representación formal del animal, expresar , el sentimiento de éste, plasmar el “ser” del animal; intentar ponerse en el lugar del animal.

Esto fascinó a Marc. Por ejemplo de un cuadro de Niestlé, en el que pinta a 100 estorninos, uno cree oír el gorjeeo y el aleteo de los pájaros.. Y! ninguno se parece a otro! . Cada animal tiene su propia expresión.                    

El desarrollo pictórico de Marc va desde la pintura tradicional muniquesa, a la pintura expresionista, luego a la abstracta con influencia futurista y del color, (influenciado por Delaunay. Pero siempre el tema principal ERAN LOS ANIMALES, sólo en su etapa final, la forma queda desdibujada, los animales se deconstruyen en formas circulares o no aparecen y es el color y su fuerza, según su propia teoría del color y lo que ocurre socialmente, lo que plasmará en sus cuadros.

Cuadro muy querido por el pintor, de su primera etapa:

                             El gorrión muerto, 1905

                                    

(óleo sobre madera, 13 x 16,5 cm)

En 1910, marca un cambio en su vida. Vuelve la espalda a la pintura muniquesa, y empieza a trabar amistades de artistas que influenciarían su trayectoria. El conocimiento de los cuadros de van Gogh y Gauguin, le impresionaron mucho.
Marc empieza a estudiar los colores espectrales, intentando encontrar una solución cromática Subjetiva, como se refleja en CABALLO AZUL I, 1911:

                                                   (óleo sobre lienzo, 112,5 x 84,5 cm)


 Estudió la teoría de los colores de Goethe.

Perro tendido en la nieve, 1910/11

                                                     (óleo sobre lienzo, 62,5 x 105 cm)


La amistad con August Macke y Kandinsky fue importante. Con Kandinsky, compartían la importancia de lo "espiritual", en el arte, sin embargo Marc nunca teorizó acerca de él.

Pero como Kandinsky, también buscaba una escala cromática subjetiva, que pudiera plasmar su espiritualidad.
Fundó junto a Kandinsky, el  Der Blaue Reiter (el Jinete azul), un grupo artístico de creadores que compartían en sus obras la expresión de emociones y sentimientos, mediante colores vivos.   Ambos decían: "-Estamos a las puertas de una de las más grandes épocas que, hasta ahora, ha conocido la humanidad, la época del gran espíritu-".

Aunque efímero, el grupo transformó de 1911 a 1913 la trayectoria del expresionismo, una de las vanguardias más importantes del siglo XX. Organizaron dos exposiciones y publicaron su famoso Almanaque, un libro con escritos y pinturas de MARC, KANDINSKY, JAWLENSKY y MACKE entre otros. 

"Hago una observación subjetiva, en la que estoy de acuerdo  que el COLOR, desde el expresionismo, fue adquiriendo una dimensión, una nueva visión, una nueva mirada en plasmar la realidad. Se plasma lo que SE SIENTE a través del color, y éste, para cada pintor significa diferentes emociones. NO hay un patrón estático, rígido, el azul significa pasión, y el amarillo alegría, etc…, así como la forma o el objeto a expresar va deconstruyéndose… hacia formas cada vez más subjetivas o abstractas ( el arte abstracto, el futurismo, el orfismo, el cubismo…, ).

Y esto en sí, es la “nueva espiritualidad”, frente a una “vieja o rígida espiritualidad”, valores que en su lucha por expresarse, causarán muchos cambios a nivel social, sufrimiento vital (1ªGM), expresión de nuevos estilos artísticos en el pensamiento, en la economía y en otros campos..."
En una ocasión un campesino le preguntó que porqué pintaba a los caballos "azules", a lo que Franz Marc,
respondió que: -él pintaba cuadros-.


                             Los pequeños caballos azules, 1911

(óleo sobre lienzo, 200x130cm) 

Particularmente, la primera vez que ví este cuadro, me quedé absorbida por él, me encantó! Este azúl tan profundo, tan bien expresado el cuerpo, los músculos del caballo. La sencillez, de sus actos cotidianos, limpiarse, comer...

Franz Marc quería expresar el "alma", el "sentir de los animales", así tenía estas reflexiones: 

"-Qué pobre, desalmada, es nuestra costumbre de colocar animales (en nuestros cuadros) en un paisaje, que pertenece a nuestros ojos, en lugar de sumergirnos en el alma del animal para averiguar su círculo de imágenes-".

Los colores de Franz Marc, eran el vehículo por el cual podía expresar los sentimientos de los animales, su alma.

Franz Marc dijo: "Azul es el principio masculino, rudo y espiritual... Amarillo es el sol: El principio femenino, suave, alegre y sensual. Rojo era la tierra: -"!Brutal y pesada y el color que, constantemente, tiene que ser atacado y superado por los otros dos!"

Era el año 1911, ahora los colores despertaban a la vida en los cuadros de Marc. Se les oía respirar, temblar y manar.


                             Vaca amarilla, 1912                 

 

                              (óleo sobre lienzo, 140 x 190)



                       Los pequeños caballos amarillos,1912

                                             (Óleo sobre lienzo, 66 x 104,5 cm)



Me encanta este cuadro, estos caballos amarillos,
siento una fuerza en esa paleta amarilla, en esa expresión de color plano. Y siento la fuerza del animal, su esencia robusta, libre, salvaje!

Franz Marc, decía al respecto de pintar animales:

¿Cómo ve el mundo un caballo o un águila, un corzo o un perro?
Qué pobre!, qué falta de alma es nuestra convención de situar animales en un paisaje que pertenece a nuestro ojos, en lugar de sumergirnos en el alma del animal, para descubrir su horizonte!.

Y sigue diciendo: ¿Qué tiene que ver el corzo con la imagen del mundo que nosotros vemos?
Tiene algún sentido racional o incluso artístico pintar el corzo como aparece a nuestra retina o de forma cubista, porque nosotros sentimos el mundo de manera cubista?
Quién me dice a mí que el corzo ve el mundo de manera cubista; lo siente como corzo, por lo tanto el paisaje tiene que ser corzo.

Yo puedo pintar un cuadro: el corzo. Pisanello los ha pintado. Pero yo también puedo pintar un cuadro: -el corzo siente-.
Qué sentidos infinitamente más finos tiene que tener un pintor para pintar esto!

En 1912/13, recoge estos apuntes privados, algunas tesis sobre el arte abstracto y sobre los límites del arte.

En torno al animal:

“Nosotros ya no volveremos a pintar el bosque o el caballo como nos gustan o nos parecen, “sino cómo realmente son”, como el bosque o como el caballo sienten, su esencia absoluta que vive detrás de las apariencias que vemos”.

Ponerse en el lugar del animal, pintarlo no con los ojos del hombre sino desde su propio punto de vista: esto lo intentó con observaciones minuciosas en las dehesas de caballos y prados de vacas. Cuando iba a visitar a sus suegros en Berlín, siempre acudía al zoológico.



Una vez más me encuentro  en los libros de arte con las (categorizaciones absolutas), es decir, cómo el crítico expresa categóricamente: -la imposibilidad de ponerse en el lugar de un ser de otra especie- y lo justifica alegando testimonios contemporáneos de Marc (amigos pintores). Pues afirma que lo que hace el ser humano, és humanizar al animal.

 Y en eso estoy de acuerdo, tenemos tendencia a poner el carácter humano a los animales: el cuervo, el zorro son astutos en sus acciones (como el ser humano). Pero el cuervo, es cuervo en sus acciones, y el zorro,  es zorro en sus acciones.


                                      Zorros, 1913

 

                         (óleo sobre lienzo, 87 x 65 cm)



"Cuando veo este cuadro, siento ternura y dulzura. Franz Marc, expresa muy bien este sentimiento en el rostro principal del zorro" y en el color rojo tan expresivo!

PERO ESTOY EN DESACUERDO CON LA CATEGORIZACION absoluta. 

¿Quién me dice que es imposible para un ser humano ponerse en el lugar de otra especie?

 Creo que al ser humano, nos falta todavía, mucha HUMILDAD.

En el siglo X, se creía que la tierra era plana, así categorizaban los eclesiásticos, so pena de ir a la hoguera...
CUANDO SABEMOS que en el s. XV, se descubrió y por experiencia, que no lo era….

Hay maneras diferentes de decir las cosas. Una sería: yo no creo que un ser humano pueda sentir como un cierto animal o se pueda poner en su lugar….

Pero de ahí a decir que el ser humano no puede nunca…. HAY UN LARGO TRECHO, muchas puertas por abrir y descubrir….

En 1913, Franz Marc estaba fascinado por el pensamiento de que los rayos pasaran a través de los cuerpos sólidos. Franz hacía orejas como triángulos, ojos como rombos.
Los animales en los cuadros de Marc habían comenzado a desintegrarse. Los zorros rojos se desmoronaban en cristales, los corzos se fundían con los colores del mundo.
Todo estaba atravesado por la luz: como por rayos X, descubierto por entonces.

Los descubrimientos e inventos de la ciencia y de la técnica habían forjado, en pocos años, una nueva imagen del mundo.  A la mayoría de la gente esta pintura no les gustaba, les ponía furiosa. No soportaban vacas en discos y tubos. Cuando, en realidad, Franz solamente pintó la verdad de la naturaleza de una forma moderna: Que toda la vida está formada por la misma materia, de las mismas sustancias químicas. A la gente, esto le daba miedo. Pero Franz dijo: "Todo es uno"  .   Pintó por ejemplo dos corzos que pasan del uno al otro como espectros. Gacelas que flotan, inundadas de luz y color. O pájaros como de cristal pulido. Con sus golpes de alas, hacían que aletearan y volaran todos los colores del mundo.                                   Establos, 1913 

(óleo sobre lienzo, 73,6 x  157,5 cm) 

 La Torre de los caballos azules, 1913

 

                                                  (óleo sobre lienzo, 200 x 130 cm)


Franz Marc, escribió en el "Almanaque", del Der Blauer Reiter, sus tesis, que continuan teniendo vigencia en estos días. En el primer texto, -Geistige Güter- (Bienes espirituales), comprobaba que si, bien la humanidad se alegra sobre la conquista de nuevas colonias o sobre nuevos logros técnicos, nunca lo hace al conquistar bienes espirituales, pensando aquí principalmente en el nuevo arte. Lamentaba "la general falta de interés de los hombres por los bienes espirituales", terminando con una frase que sigue teniendo vigencia hoy en día:  " Las nuevas ideas son difíciles de entender sólo por desa acostumbradas..."

En otra tesis, exponia que el mundo se encontraba en un estado de ánimo similar a la época de la cristianización. El arte actual sigue formándose sin relación con el público "podría decirse que a pesar de su tiempo". Estos cuadros son "signos originales, fogosos, de una nueva época, que ahora se reproducen por doquier. Lo que hoy parece fantasmagórico, mañana será natural".


                                                            Tigre, 1912

                                                  (óleo sobre lienzo, 111 x 111,5 cm)




                                              Caballo soñando, 1913. 

                               (Acuarela sobre papel)



                            
                                                                 Pájaros, 1914                               
                                                  

(óleo sobre lienzo, 109,5 x 99,5 cm)

En 1914, había empezado a pintar cuadros abstractos. El animal había perdido para él, el significado que antes tuviera.

En sus últimos años de vida se dejó seducir por el trabajo de los futuristas italianos y por Robert Delaunay(1885-1947), un pintor que pasó del cubismo al orfismo, el estilo creado a partir del cubismo basado en las formas circulares y brillantes.


Destino de los animales(los árboles mostraron sus anillos, los animales sus venas), 1913
       

                                       (Óleo sobre lienzo, 196 x 266 cm)

Franz Marc, anotó en el dorso de este cuadro ( Destino de los animales), "Y todo el ser es sufrimiento en llamas".
Marc mismo escribió a María en 1915, cuando le llegó una tarjeta artística de Koehler de este cuadro:  -Es como un barrunto de esta guerra, espeluznante y conmovedor; !no puedo creer que he sido yo quien lo ha pintado! En la difusa fotografía causa la impresión de ser incomprensiblemente verdadero, tanto que me sentí sobrecogido" 




                                      Tirol, 1914

                                                    (óleo sobre lienzo, 135,7 x 144,5 cm)




                                           Corzos en el bosque II, 1914

                                             (óleo sobre lienzo, 110 x 100,5 cm)


En una carta a María Marc (su esposa), de 1915  dice:

"Y del animal me separó un instinto hacia lo abstracto, que me excitaba aún más…Ya pronto, el ser humano me pareció feo; el animal me parecía más bello, más puero; pero también descubrí tantas cosas que se oponían al sentimiento, tantas cosas feas, que mis representaciones, instintivamente,… se hicieron cada vez más esquemáticas, más abstractas".

Marc ya no se servía del animal para representar sus sentimientos, su mundo interior. Se fue despegando cada vez más del objeto, hasta crear sus primeras obras abstractas. Y en este punto se interrumpió su evolución.

´

Últimas obras; guerra y muerte.


                                Formas quebradas, 1914
                         

(óleo sobre lienzo, 112 x 84,5 cm)

En el año 1913, un año antes de la 1ª Guerra Mundial, quizás como presagio, Franz dijo:

"Qué bello, qué extraordinariamente consolador es saber que el espíritu no puede morir, bajo ningún suplicio, bajo ninguna difamación, en ningún desorden. Saber esto, hace más fácil marcharse".

 

1914, En Ried, pintó cuatro cuadros: Formas alegres (destruido en la 2ªGM), Formas jugando, formas luchando y formas quebradas .Ya los títulos permiten reconocer la discrepancia de sentimientos que en aquel momento movían al pintor.

Parece ser que reflejan la contradicción y la rivalidad entre la vida personal de Marc en Ried –lo idílico- y el ambiente del fin del mundo entonces reinante, que desembocaría en la 1ª GM.

El 1 de agosto de 1914, el Imperio Alemán declaró la guerra a Rúsia, dando la orden de movilización general. Franz Marc y August Macke se presentaron voluntarios. Fueron arrebatados por la fuerza idealista que justificaba esa guerra. August Macke, murió antes que Franz Marc, y pese a ello continuaba creyendo en la guerra, pues veía en ella, una forma de "purificación de la humanidad". La idea de que habían intereses económicos por medio, no lo aceptaba.

Sin embargo, en 1916, por las cartas que enviaba a su mujer, María, Marc, da un giro y le escribe en Año Nuevo:

"El mundo se ha enriquecido con el año más sangriento de su existencia de muchos milenios. Es horrible pensar en ello; y todo por nada, por un malentendido, por la falta de entendimiento humano"...

A comienzos del 1916, Marc tenía la esperanza de regresar pronto a casa. En una carta del 4 de marzo a María, se lo diría. Esa misma tarde, Franz Marc, fue alcanzado durante una patrulla de reconocimiento.

Formas luchando, 1914

                                                  

 (óleo sobre lienzo, 91 x 131 cm)

No sabemos si Franz Marc, hubiera sobrevivido, qué dirección hubiera tomado su pintura.

Cuando pienso en Franz Marc, siempre me viene a mi memoria, el AZUL de los caballos, ese azul profundo, la fuerza natural que emana; la ternura y dulzura del ROJO en el rostro del zorro, la felicidad AMARILLA de la vaca, casí un éxtasis, la paz BLANCA y AMARILLENTA del perro durmiendo...

Los zorros deconstruídos en forma de prisma, y el cuadro de palomas de colores, alza el vuelo en formas rectangulares.

Círculos de corzos.

LOS COLORES, fuerza de vida!,

hálito espiritual!

fuente de amor y fuerza

Alimento.

Impulso vital,

en el continuum de la vida,

en el descubrimiento de nuevas formas, nuevos saberes

nuevas alegrías!

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BIBLIOGRAFIA:

- MARC, Susanna Partsch. Edit. TASCHEN, 2005.

- FRANZ MARC. Los potros azules. Thomas David. Ed. Joven Arte, 1997.

Hildegard von Bingen

"No oigo estas cosas ni con los oídos corporales ni con los pensamientos de mi corazón, ni percibo nada por el encuentro de mis cinco sentidos, sino en el alma, con los ojos exteriores abiertos, de tal manera que nunca he sufrido la ausencia del éxtasis. Veo estas cosas despierta, tanto de día como de noche".- Hildegard von Bingen.
 

Nos encontramos en el siglo XII, en plena edad media, donde siempre se asemeja esta edad histórica con la oscuridad, sin embargo, si hay oscuridad, también hay luz.

Y luz, también la hubo!

Y además una LUZ FEMENINA, puesto que está en nuestra esencia, en nuestra energía, en nuestro ser, ya se sea hombre (género masculino) o mujer (género femenino).  Una luz, una energía femenina y también masculina,(energéticamente) encarnada como mujer,  (Hildegard), bajo una vivencia mística, en un contexto religioso cristiano y benedictino y en un mundo dominado por el poder masculino.

Una luz muy fuerte, para que el Emperador Barbarroja, la escuchase, para que el Papa  Eugenio o el  monje -cisterniense- Claraval, la estimulasen a que continuase creyendo en sus visiones, la "música interna", que "escuchaba", la luz que veía y las publicase.

Una mujer de carácter fuerte, inteligente, brillante y valiente tuvo que ser, para vivir en un mundo gobernado por hombres, que la mayoría menospreciaban -su lado femenino- y a la mujer en general. Fue la 1ª mujer (y la única en siglos), autorizada por la Iglesia para predicar al pueblo y al clero en templos y plazas.

Por eso mi homenaje a este ser, a esta alma , a esta mujer, que 9 siglos más tarde, todavía su LUZ, radía en este planeta tierra.

La primera vez que oí de ella, fue en una clase de expresión corporal, a un trabajo dado, pusieron su música, la voz de una única mujer cantando en esa enorme sala. Se hizo el silencio, y la LUZ se reveló en ese espacio, íntimo, corporal, espiritual.

Hildegard, nace el 16 de septiembre de 1098 en Bermesheim, Alemania. 

Fue abadesa, líder monástica, mística profetisa, médica, filósofa, compositora y escritora. Desarrolló una intensa labor religiosa, científica, artística e incluso política.

De família noble bien acomodada. Fue la menor de diez hijos por eso fue considerada como el diezmo para Dios y le fue consagrada desde su nacimiento, según la mentalidad medieval.

Desde muy niña, Hildegard tuvo visiones. Señala que desde los 3 años tuvo la visió, según su propio testimonio, de "una luz tal que mi alma tembló". Vivía estos episodios conscientemente, es decir, sin perder los sentidos ni sufrir éxtasis. Ella los describió como una gran luz en la que se presentaban imágenes, formas y colores; además iban acompañados de una voz que le explicaba lo que veía y, en algunos casos, de música. 

Cuando Hildegard cumplió catorce años, se enclaustró en el monasterio. Este monasterio era masculino, pero acogió un pequeño grupo de reclusas en una celda anexa.

En 1114 la celda se transforma en un pequeño monasterio, a fin de poder albergar el creciente número de vocaciones. En ese mismo año Hildegard se regló benedictina. Cuando tenía 38 años, en 1136, a pesar de su juventud, fue electa como abadesa de manera unánime por la comunidad de monjas, que en ese momento había crecido más.

A la edad de 42 años, le sobrevino un episodio de visiones más fuerte, durante el cual recibió la orden sobrenatural de  "escribir las visiones que en adelante tuviese".

  En la luz del Amor, la Sabiduría me enseña y me ordena decir cómo fui introducida en estas visiones. Las palabras que yo hablo no son mías, sino que la verdadera Sabiduría las pronuncio a través de mí y me dice así..."

A partir de entonces Hildegard escribe sus experiencias, que darán como resultado el primer libro, llamado Scivias (conoce los caminos) y toda su actividad literaria y la relación epistolar con múltiples personalidades de la época; mantuvo correspondencia con reyes, emperadores y papas que pedían sus consejos y orientaciones. La gente la buscaba para escuchar sus palabras de sabiduría, para curarse o para que la guiara.

Crea su propio alfabeto:

Una visión le inspira, la fundación de un monasterio en un lugar "donde no había agua y donde nada era placentero", para trasladar a la crecida comunidad y emanciparla de los monjes.  Hacia 1150, se trasladó a Rupertsberg con cerca de veinte de sus monjas y fundó el monasterio del cual, se convirtió en abadesa. En 1165 fundó un segundo monasterio. Su labor de escritora se vio interrumpida muchas veces por los viajes de predicación. Que en total fueron cuatro viajes.

Obras religiosas como "Liber Divinorum Operum", sobre cosmología, antropología y teodicea.

Además de obras de carácter científico: "Liber Simplicis Medicinae o Physica", sobre las propiedades curativas de las plantas y animales, desde una perspectiva holística.

Obras musicales: compuso 78 obras musicales: 43 antífonas, 18 responsorios, 4 himnos, 7 secuencias, 2 sinfonías, 1 kyrie y 1 oratorio (el oratorio se inventó el siglo XVII), su sello precursor... Y además compuso un auto sacramental musicalizado llamado "Ordo Virtutum", sobre las virtudes. 

Murió en 1179, a los 81 años de edad.

Es conocida como la Sibila del Rin y como Profetisa teutónica.

La directora alemana, Margarett von Trotta, hizo una película sobre la biografía de HIldegard, interpretada por la actriz también alemana Barbara Sukowa.

Petjades de colors

DIBUIXO

 Avui que estic cansada
sento nostalgia
dels meus poemes.

 I em dic, Laura,
fa temps que no escrius,
que no deixes les empremptes
de les teves petjades a la sorra de la vida.

 Em deleeixo per expressar,
ni que sigui un gest
mínim, però un gest
grácil, senzill,
o fet de giragonses,
amb força i ímpetu.

 Fa temps que no dic res,
i és que visc la vida
i no em deixo caure en els pous insondables

                                          de la tristor ni de la mandra.

He conquerit un pic més,

                                 al de la concreció,
                         i l’art un cop més m’està ajudant.

II 

Llapís als dits,

                                  Paper clar I senzill
                                       llum i ombre
                            determinan els meus traços.

                                   Dibuixo, dibuixo
                                    formes, figures
                            la necessitat de dibuixar
                                          és forta,
                               no és la primera vegada.

El resultat, un gran desig de

                                          concretar,
                     de posar els meus ulls sota la estratosfera
                 -com es diu vulgarment-, de tocar peus a terra

 doncs no visc aquí a la terra?

 III

Dibuixo, contemplo la figura

                             intento agafar-li la forma
                             i expressar-la mitjançant
                                  la llum i la ombra,

Que donaràn el volum,

                                          la masa,
                                a allò que nombrarem.  

 

                                                                        

 

HE GOSAT

 

He gosat un cop més
Trencar la frontera
Entre allò que m’agrada,
I allò que em disgusta.
 

 He de dir, que cada
cop em costa més.

M’agafa una mena d’inercia,
una mena de mandra
que em fa resseguir el riu
com una borregueta.

 Fins que la pedra atura l’aigua.
Fins que els ulls veuen clar,
fins que sento que ja no vull més ceguera.

Aleshores tot tremola
i tot es mou, però no aleatòriament,

sinó com si les pedres de nou busquessin
el seu  lloc.

 I tot això, no us penseu,
sí que fa mal, però és seré.
Es veritat...
és deixar anar,
com quan obrim la aixeta,
i un cop s’hagi anat tot avall,
tot torna a la calma.

 Ara bé, ja res és igual,
les pedres han canviat de lloc,
el color és diferent.

S’han obert noves portes!
i fem noves pases!.
 

 

  

 LES VARIANTS
 

M’agrada parlar també
aquest llenguatje.

Es un llenguatje bastant nou
no sempre el faig servir,
i quan ho faig,
em sorprenc!

Em dic,
mira Laura,
vas aprenent!

 No sempre el parlo
de vegades
utilitzo la variant.

De fet he de dir,
que la variant és la que més utilitzo.

M’agrada molt també,
és així!

De Franz Marc:

                                                                Ocells, 1912
                                                

Dolor y Belleza

¿Dos adjetivos imposibles de relacionar?

Belleza y Dolor

Belleza por la Voz,

por la letanía de la música

que acompaña

el llanto,

el dolor que siento

al escuchar

el profundo lamento

que logró inspirar a Henry Górecky.

La primera vez que escuché esta canción, de Henry Górecky, de la Sinfonía Nº 3, movimiento 2, tuve esta visión en blanco y negro:

Un páramo desolado, desierto, rocoso y árido

Y una mujer vestida de blanco,

cantando esta preciosa canción.

Sentí que era el lamento

de Gaya,

el dolor de la Tierra

frente a tanta ignorancia!

frente a tanta avarícia.

Y sin embargo

qué dulce su voz!

Qué bella es nuestra MADRE TIERRA,

qué PACIENTE y qué fuente de AMOR INCONDICIONAL,

pues sigue, sigue pariendo hijos e hijas de la Vida!

y Acogiéndonos!, a pesar de los expolios que comete también, el ser humano, Ignorante, falto de luz y compasión.

Tuve curiosidad por saber quién era Henry Górecki y si esa canción la compuso para expresar "un dolor"... y sí, un lamento...

La música, es capaz de generar y expresar sentimientos del "andar humano por estas llanuras, valles profundos, cimas, mares y océanos de la Tierra" , paradójicos. Como en esta ocasión refleja este lamento inspirado en unas palabras, en una llamada a la dulzura, al calor, a la luz de la Divinidad, de la Madre Divina,  frente al dolor, frente a la barbarie, humana.


   

Henry Górecki nació el 6 de diciembre en Czernica (Polonia) en 1933 y murió el 12 de noviembre del 2010, en Katewic, después de una larga enfermedad. 

Henry Górecki no estudió música de una forma regular hasta los 20 años.

Estudió en París y allí conoció autores prohibidos en Polonia.

La música de Górecki abarca una gran variedad de estilos, en donde tiende a lo simple en sus  armonías.  Sus composiciones más posteriores fueron comparadas al "minimalismo sacro", como Arvo Pärt.

Su obra más popular es la Tercera Sinfonía para orquesta y Soprano, nº 3, escrita en 1976. Esta sinfonía también es llamada "Sinfonía de las lamentaciones o Sinfonía de las canciones de lamentaciones".  El movimiento aquí escuchado, el nº 2, es: lento e largo, tranquilissimo. Contiene frases escritas sobre el muro de una prisión de la Gestapo en Zakopano.

En ellas, su autora, la niña Helena Blazulasiak, pide la intercesión de la Virgen María.

El 1r. movimiento alude a un lamento del siglo XV, y el 3r. movimiento reproduce una canción folclórica de Polonia.

No obstante, toda la sinfonía es preciosa. Hace años tuve esa visión de la madre tierra llorando. En estos momentos, no sólo el 2º movimiento sinó todo la sinfonía me sigue pareciendo bella, hermosa, y dulce. Una dulzura cálida que te envuelve.

 

Magritte

 René Magritte, nace el 21 de noviembre en Hainaut (Hennegau), Bélgica, y muere en 1967. Pasó su infancia y adolescencia en Charleroi, ciudad industrial. Su padre era sastre y comerciante y su madre modista.Tenía 3 hermanos. A los 12 años empieza a estudiar dibujo y pintura y dos años más tarde,  su madre se suicida, arrojándose al río Sambre.

Magritte era un hombre tranquilo de carácter tímido. A lo largo de toda su vida mantuvo ideas políticas de izquierda pero sin comprometerse en sus partidos políticos.  Su obra pictórica se inició con el futurismo hasta llegar al surrealismo. Perteneció al grupo surrealista de París, del que formaban parte Jean Arp, André Breton, Salvador Dalí, Paul Eluard y Joan Miró.

El surrealismo, fue un movimiento artístico, que quedó acotado en el ámbito pictórico, sin embargo, André Breton y otros quisieron ampliarlo a más ámbitos de la vida, pues querían que fuese un movimiento que revolucionara al ser humano. El surrealismo surgió de entre el período de las dos Guerras Mundiales, entre 1918-1939. La guerra los llevó a la muerte, sin piedad, sin consideración, ahora ellos con el surrealismo, revolucionarían la mirada y la actitud, una actitud de lo esencial en el ser humano.

En estos años hubieron acontecimientos sociales, políticos, científicos, filosóficos de capital importancia. Unos lo marcaron a fondo y él les dió su propia particularidad a otros.

Breton y otros, aspiraban a que el surrealismo develara, la esencia del ser humano, que por fin, éste se desmarcara, rompiera, las formas rígidas, los convencionalismos y las normas burguesas. El espíritu Hegeliano, Freud, la interpretación de los sueños, y el subsconciente, "fuente" del ser había de hablar, moverse, expresarse.

Magritte, fue situado en este movimiento, aunque no sería tan radical como Breton u otros.

Lo que me ha gustado de Magritte al conocer su obra, es su "Pensamiento pictórico".

Magritte y esa es mi opinión, era un "Filósofo pictórico". Su discurso, no se expresaba, a través de las palabras, sinó a través de las imágenes que veía y plasmaba, es decir, a través de su pintura. Está considerado como pintor -surrealista-. Aunque también utilizó la palabra, o mejor dicho la "metáfora", en sus títulos. Títulos que develaban lo invisible...

La primera vez que ví un cuadro de Magritte, tuve la sensación de que el cuadro me preguntaba a mí, -¿qué quién era?, ¿qué hacía? ¿por que miraba?

Sorpresa, curiosidad, misterio... son sensaciones, emociones que siento al ver un cuadro de Magritte, aunque no sólo eso.

Al aproximarme ahora a su obra, siento también un fino humor, una fina ironía. Veo inteligencia, y me parece muy, muy interesante esa necesidad de pintar su PENSAMIENTO.

Pienso que buscaba "lo invisible", para que le diera un sentido a su vida y lo hacía -rompiendo, alterando el orden de las cosas, sobretodo alterando lo visible, pues creía que detrás de lo visible se encontraba lo invisible, y que a pesar de que era imposible verlo, pues era invisible, él iba a su búsqueda para PLASMARLO.

La gran guerra, 1964

Dice de él: "Cada cosa que vemos cubre otra, y nos gustaría mucho ver lo que nos oculta lo visible..." 

Dice Magritte:  "Mi propósito al pintar es hacer visible el pensamiento".

   La traición de las imágenes, 1928/29

 "¿La famosa pipa? No se cansaron de hacerme reproches. Pero ¿puede Ud. llenarla? NO, claro, se trata de una mera representación. Si hubiese puesto debajo de mi cuadro: -Esto es una pipa-, habría dicho una mentira". 

                                                                                          René Magritte.

Otra de las cosas que me ha gustado mucho, son sus TÍTULOS. Sus títulos sugieren..., más que descriptivos de la realidad visible, permiten que te cuestiones, que viajes con tu pensamiento,

por eso son poéticos, metafóricos.... nos llevan hacia el camino que indica, aquello invisible. Inteligente!.

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                                                        La llave de vidrio, 1959

"Creo que el mejor título de un cuadro es el título poético". René Magritte.

En este cuadro de (La Llave de vidrio), aparece un peñasco suspendido en el aire: su peso es incompatible con la ligereza que le atribuye el cuadro. Dos funciones incompatibles o contrapuestas, son ideas que a Magritte le gustaba utilizar.

Las vacaciones de Hegel, 1958

Hegel, filósofo de la dialéctica, preside el cuadro. Magritte, comenta: - Creo que a Hegel le hubiera gustado este objeto que cumple dos funciones opuestas: repeler y recibir agua. Ciertamente lo hubiese divertido, tal como uno se divierte durante las vacaciones-.

A Magritte le gustaba reunirse con sus amigos frente a un cuadro inconcluso y jugaban a ponerle títulos. Nunca utilizó ninguno. Y sino se le ocurría alguno, el primero que le aparecía por su mente, lo tomaba como válido, como en el de las Vacaciones de Hegel.





                                                        El maestro de escuela, 1954

Otra característica de Magritte, que me gusta y que pienso que es bien surrealista, es cuando pinta personajes que "no te miran", sinó que te dan la espalda. Me imagina cómo se debía de sentir la gente de su época más (rígida convencionalmente), ¿se sentirían ofendidos?

Para mí, rompe el "narcisismo" del ego; la vanidad hecha añicos.
También me sugiere, la plasmación de su pensamiento, que para "verse" a sí mismo, necesita alejar los sentidos del exterior hacia el interior, un "darse la vuelta hacia el interior de un@".



                                        El ramo perfecto, 1956

Magritte combinó a veces su propio repertorio de motivos con el de la Historia del Arte. Un hombre con sombrero hongo vuelto de espaldas aparece aquí con la célebre Flora de "La Primavera", de Botticelli. El efecto es a la vez insólito y misterioso, un ejemplo más de la intención poético-surrealista de la pintura de Magritte.



                                         El mal de ausencia, 1940

Este cuadro, me recuerda por un lado al "ángel" del libro: "El espejo en el espejo", de Michael Ende, que también pintaba cuadros surrealistas, e incluso este libro, podría tomarse como surrealista, simbolista en algunas de sus historias. Pero no sólo el ángel, sinó la propia atmósfera, una sensación de tiempo congelado, esperando encontrar algo....

Para Magritte, este cuadro representa: "El león, así como el hombre con sus alas plegadas, nada tienen que hacer en el puente. Personifican la melancolía de quienes saben que la vida real es siempre otra vida que no existe".

                                                          El bello mundo, 1962

"Yo veía el mundo como si tuviese una cortina delante de los ojos". R.Magritte

Firma en blanco, 1965?

"Los objetos visibles pueden ser invisibles. Cuando alguien va a caballo por
un bosque, lo vemos un momento y luego lo dejamos de ver, y sin embargo sabemos que está ahí.  En Firma en blanco, la jinete oculta los árboles, y los árboles la ocultan a ella. Pero nuestro intelecto comprende ambas cosas, lo visible e invisible. Mi propósito al pintar, es hacer VISIBLE el pensamiento."
               
                                                                                           René Magritte

La creación colectiva, 1934

No les recuerda a alguién, ¿a un pintor que también pintaba cuerpos humanos con cabeza de pescado?  El Bosco, pintor del siglo XV,  también es considerado "surrealista", lo que demuestra, o por lo menos a mí sí, que la historia humana no es lineal.

El falso espejo, 1935

"Los ojos son el espejo del alma", dice un proverbio. Aquí, Magritte vuelve a practicar uno de sus juegos favoritos y sugiere la cancelación del límite entre el mundo exterior y el interior. En vez de permitir entrever un estado de ánimo, la pupila refleja el mundo externo: un cielo nublado.

                   El principio del placer (Retrato de Edward James), 1937

                                        

Mientras trabajaba en el retrato de Edward James, según el modelo de una
fotografía de Man Ray, Magritte sustituyó sus rasgos faciales por una emanación luminosa, burlándose una vez más del carácter irreal de toda imagen.

La gran família, 1963

¿Se convierte el cuerpo de la paloma en un cielo con nubes, o son cielo y nubes los que adoptan la forma de pájaro?




He disfrutado en esta pequeña introducción al conocimiento de la obra pictórica de René Magritte. Muy interesante. La curiosidad, el misterio, la luz, el color, la paradoja, la metáfora, la reflexión, la subjetividad, la sensualidad, la poesía, el ser humano, realidad compleja. Elementos todos ellos, que Magritte nos comunica, haciendo "visible su pensamiento".

Hermoso, bello e inteligente a la vez.

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Bibliografía:

-MAGRITTE, de Marcel Paquet, edit. TASCHEN,200
-Historia del Surrealismo, de Maurice Nadeau. Ahimsa Editorial, 2001.

Maestros del Jazz, Maestros de clásica...

Clásica y Jazz, dos géneros inigualables, ambos toman caminos del 0 al infinito, se entrecruzan, se dan de la mano, caminan juntos, separados, multicreativos, se emulan, disfrutan y nos hacen gozar....

Keith Jarret, Jacques Louissier "interpretando a Bach"

Monteverdi, emulado por Paolo Fresu, Uri Caine, etc...


                         

Jacques Loussier, pianista de jazz nos presenta su "mano a mano" tocando a Mozart, en el concerto a piano, K 466, nº 20:

                                                                     Uri Caine

Uri Caine y Paolo Fresu. El primero, Uri Caine (de Filadelfia, EEUU, 6 de junio de 1956) pianista y compositor de Jazz. Tiene un estilo muy renovador en el mundo del Jazz y es conocido por sus "deconstrucciones", con músicos como (Bach, Mahler, Beethoven, Wagner, Verdi, etc. )y el 2º Paolo Fresu, (Cerdeña, 10 de abril de 1961), trompetista y fiscorno Jazz, arreglista de música y de la música de compositor. Ambos interpretan un Aria de Haendel de la ópera "Rinaldo": "Lascia Ch'io Pianga", de la ópera de Rinaldo: Belleza pura!!!

Keith Jarret, pianista de Jazz, tocando: Un concierto Italiano de Bach:

No conozco más, pero seguro, seguro, que de haberlos hay muchos más!!...

Que lo disfrutéis!!!